注释,注释: Объектом исследования является творчество кинорежиссера Александра Петровича Довженко. Предметом исследования является концепт «земли» в творчестве режиссера, рассматриваемый как «сад», как «земной рай». Одной из главных идей творчества А. Довженко является прославление земли, «почвы», на что уже указывалось многими исследователями. Земля, как место пребывания человека, у А. Довженко является «творимым пространством». Эта традиция прослеживается не только в «Земле», но и других фильмах А. Довженко («Аэроград», «Щорс», «Мичурин»), а также в фильмах, созданных по его сценариям режиссером Ю. Солнцевой («Зачарованная Десна», «Повесть пламенных лет»). Целью данного исследования является постижение мировидения А. Довженко. В задачи исследования входят: анализ пространственной организации произведений режиссера, исследование значимости концепта земли, его связь с мифопоэтикой, с фольклорными и религиозными истоками образной системы.  Выбирая методологию исследования, мы не можем ограничиться одним методом. В данном исследовании применяется комплексный культурологический подход, включающий сравнительный, диалектический, феноменологический и психологический методы. Новизна данного исследования заключается в том, что «сад» рассматривается как «творимое пространство», как «земной рай». Основным выводом данного исследования является то, что «земля» как «сад», как «земной рай» есть одно из таких пространств. Библейский сад – творение Бога, «земной рай» – творение человека. В «Звенигоре» земля выступает как природная данность. В фильме «Земля» сад как «земной рай» предстает как творение природных и человеческих усилий. В «Иване» и «Аэрограде» «земной рай» предстает как город будущего. «Сад» в творчестве А. Довженко есть «творимое пространство», символизирующее земной рай. Христианская традиция сильна в творчестве А. Довженко, но не последнюю роль играют миф, ритуал, символ. Творчество А. Довженко вписано в контекст исторической эпохи. Земля при этом остается для него вечной ценностью.

Abstract: The object of the study is the work of film director Alexander Petrovich Dovzhenko. The subject of research is the concept of "land" in the director's work, considered as a "garden," as an "earthly paradise". One of the main ideas of A. Dovzhenko's work is the glorification of the earth, "soil," which has already been indicated by many researchers. This tradition can be traced not only in "Earth," but also in other films by A. Dovzhenko ("Aerograd," "Shchors," "Michurin"), as well as in films created according to his scripts by director Yu. Solntseva ("Charmed Desna," "A Tale of Fiery Years"). The purpose of this study is to comprehend the worldview of A. Dovzhenko. The tasks of the study include: an analysis of the spatial organization of the director's works, a study of the significance of the concept of the earth, its connection with mythopoetics, with the folklore and religious origins of the figurative system. This study uses a comprehensive cultural approach, including comparative, dialectical, phenomenological and psychological methods.
The novelty of this study is that the "garden" is considered as "a creative space," as "an earthly paradise." The main conclusion of this study is that "earth" as "garden," as "earthly paradise" is one of such spaces. The Bible garden is God's creation, "earthly paradise," is human creation. In Zvenigor, the land acts as a natural given. In the film "Earth," the garden as an "earthly paradise" appears as a creation of natural and human efforts. In "Ivan" and "Aerograd" "earthly paradise" appears as the city of the future. "Garden" in the work of A. Dovzhenko there is a "creative space" symbolizing an earthly paradise.

注释,注释: Объектом исследования является неореализм ― течение в итальянском кино 1940–1950-х гг. Предметом исследования является творчество режиссеров-неореалистов Роберто Росселлини, Чезаре Дзаваттини, Джузеппе де Сантиса, Витторио де Сики, Альберто Латуады. Черты неореализма присущи также раннему творчеству режиссеров Лукино Висконти («Одержимость» 1943 г., «Земля дрожит» 1948 г.), Федерико Феллини («Дорога» 1954 г., «Ночи Кабирии» 1957 г.), Пьеро Паоло Пазолини («Аккатоне» 1961 г., «Мама Рома» 1962 г.), Микеланджело Антониони «Люди с реки По» 1947 г.). Неореализм складывается под влиянием французского поэтического реализма, а также, под влиянием веризма, особенно, творчества Л. Пиранделло. В центре внимания неореалистов стал человек во взаимодействии с обществом, окружающей средой.  Целью данного исследования является рассмотрение особенностей реализма и неореализма, рассмотрение пространства, создаваемого режиссерами. В данном исследовании применяются различные методы исследования - феноменологический, интертекстуальный, сравнительный, герменевтический, метод контент-анализа - в их сочетании и взаимодополнительности. Научная новизна данного исследования заключена в противопоставлении мифологического и реального пространства в фильмах итальянских режиссеров, а также в применении комплексного подхода. Основным выводом данного исследования является тезис, что миф и реальность в творчестве итальянских неореалистов взаимодействуют друг с другом. Несмотря на документальный подход к съемке, неореалисты создают свою, особую реальность, обращаются к истории и мифу. Понятие «неореализм» довольно сложное, многие его представители называли себя реалистами. В центре внимания неореализма становится человек во взаимодействии с обществом, с окружающей средой. В качестве принципов неореализма можно выделить хоральность, то есть, взаимодействие людей. Отдельной чертой неореализма является обращение к фантазии. Ф. Феллини и М. Антониони открывают новую главу в истории итальянского кинематографа.

Abstract: The object of research is Italian neorealism of the 1940-1950s. The subject of research is the work of neorealist directors Roberto Rossellini, Cesare Zavattini, Giuseppe de Santis, Vittorio de Sica, Alberto Latuada. Features of neorealism are also inherent in the early work of directors Luchino Visconti («Obsession» 1943, «Earth Trembles» 1948), Federico Fellini («The Road» 1954, «Nights of Cabiria» 1957), Piero Paolo Pasolini («Accatone» 1961, «Mama Roma» 1962), Michelangelo Antonioni «People from the Po River» 1947). Neorealism develops under the influence of French poetic realism, as well as, under the influence of verism, especially, the work of L. Pirandello. The focus of the neorealists was a person in interaction with society, the environment.
The purpose of this study is to consider the features of realism and neorealism, to consider the space created by directors. This study uses various research methods - phenomenological, intertextual, comparative, hermeneutic, content analysis in their combination and complementarity.
The scientific novelty of this study lies in the opposition of mythological and real space in the films of Italian directors, as well as in the application of an integrated approach. The main conclusion of this study is the thesis that myth and reality in the work of Italian neorealists interact with each other. Despite the documentary approach to filming, neorealists create their own, special reality, turn to history and myth. The concept of "neorealism" is quite complex, many of its representatives called themselves realists. The focus of neorealism becomes a person in interaction with society, with the environment. As the principles of neorealism, one can single out chorality, that is, the interaction of people. A separate feature of neorealism is the appeal to fantasy. F. Fellini and M. Antonioni open a new chapter in the history of Italian cinema.

注释,注释: Объектом исследования является становление образа в кино. Предметом исследования является принцип рождения образа, разработанный С.М. Эйзенштейном, который определил кино как сопоставление двух методов: метода изображения и метода образного становления. Цель исследования ― проследить эволюцию взглядов на «образ становления» от Г. Э. Лессинга к Г. В. Ф. Гегелю и С. М. Эйзенштейну.
Автор обращается к истокам формирования «образа становления», учениям Г.Э. Лессинга и Г.В.Ф. Гегеля, оказавших большое влияние на С.М. Эйзенштейна. Г.Э. Лессинг определил, что методы изучения пространственных и временных искусств различны. Метод изображения есть метод, присущий пространственным искусствам, метод становления присущ поэзии, как временному искусству. Г.Э. Лессинг отдавал первенство методу становления. Подобной проблемой занимался Г.В.Ф. Гегель, он сформировал учение об «образе становления», который возникает во времени.
В основу исследования положен принцип рождения образа, разработанный С.М. Эйзенштейном, согласно учению которого, образ рождается в монтаже. Применяются также сравнительный и семиотический методы. Научная новизна данного исследования заключается в изучении преемственности учения об «образе становления», в изучении новаторства С. М. Эйзенштейна в этом вопросе.
Согласно С. Эйзенштейну, кино есть синтетическое, пространственно-временное искусство. Оно связано с пространственными искусствами ― изобразительным искусством, архитектурой, скульптурой, а также с временными: музыкой, поэзией. В основе киноискусства лежит «метод Диониса», что роднит кино с другими формами игры. Согласно С. Эйзенштейну, кинокадр есть монтажный комплекс, он имеет свою конструкцию и композицию, что роднит его с пространственными видами искусств, а также ритм, что роднит его с искусствами. Кино представляет собой сложную систему образов и знаков. С.М. Эйзенштейн определяет кино как область языка. Формирование образа в кино происходит во времени.

Abstract: The object of the study is the formation of an image in cinema. S.M. Eisenstein defined cinema as a comparison of two methods: the method of image and the method of figurative formation. The image in the cinema is the "image of becoming". The purpose of the study is to trace the evolution of views on the "image of becoming" from G. E. Lessing to G. V. F. Hegel and S. M. Eisenstein.
The author refers to the origins of the formation of the "image of becoming", the teachings of G.E. Lessing and G.V.F. Hegel, who had a great influence on S.M. Eisenstein. G.E. Lessing determined that the methods of studying spatial and temporal arts are different. The method of image is a method inherent in spatial arts, the method of becoming is inherent in poetry as a temporary art. G.E. Lessing gave primacy to the method of becoming. G.V.F. Hegel dealt with a similar problem, he formed the doctrine of the "image of becoming" that arises in time. The research is based on the principle of image birth, developed by S.M. Eisenstein, according to whose teaching, an image is born in a montage. Comparative and semiotic methods are used in the study. The scientific novelty of this study lies in the research of the continuity of the doctrine of the "image of becoming", in the study of S. M. Eisenstein's innovation in this matter.
According to S. Eisenstein, cinema is a synthetic, space-time art. It is associated with spatial arts, fine arts, architecture, sculpture, as well as with temporary ones: music, poetry. Cinematography is based on the "Dionysus method", which makes cinema related to other forms of play. According to S. Eisenstein, a movie frame is an assembly complex, it has its own design and composition, which makes it related to spatial types of art, as well as rhythm, which makes it related to the arts. Cinema is a complex system of images and signs. S.M. Eisenstein defines cinema as a field of language. The formation of an image in a movie takes place in time.

注释,注释: Предметом исследования данной статьи является творчество немецких режиссеров-экспрессионистов. Актуальность данного исследования связана с тем, что экспрессионисты оказали большое влияние на весь кинематограф в области открытия света и тени. В советской науке этому вопросу уделялось мало внимания. В настоящее время исследователи обращаются к теме экспрессионизма, но вопрос соотношения света и тени недостаточно изучен.
Цель исследования – показать важность открытия немецких экспрессионистов в области света и тени, их влияние на мировой кинематограф, а также влияние советских режиссеров на немецких экспрессионистов в области монтажа.
Новизна данного исследования заключается в изучении соотношения света и тени у экспрессионистов, а также в выявлении влияния советских режиссеров на немецких экспрессионистов в области монтажа. Эти аспекты остаются малоизученными. В данном исследовании использован комплексный подход. Применяются сравнительный, феноменологический, интертекстуальный методы в их сочетании и взаимодополнительности.
Основными выводами данного исследования являются выводы об открытии немецких экспрессионистов в области света и тени, их влиянии на мировой кинематограф, а также о влиянии советских режиссеров на немецких экспрессионистов. Фильмы, исполненные в традициях экспрессионистов, часто имеют и коммерческий успех.

Abstract: The subject of research of this article is the work of German expressionist directors. The relevance of this study is due to the fact that expressionists had a great influence on the entire cinema in the field of light and shadow discovery. In Soviet science, this issue received little attention. Researchers are currently addressing the topic of expressionism, but the issue of light-shadow ratio is not well understood.
The purpose of the study is to show the importance of the discovery of German expressionists in the field of light and shadow, their influence on world cinema, as well as the influence of Soviet directors on German expressionists in the field of editing.
The novelty of this study is to study the ratio of light and shadow in expressionists, as well as to identify the influence of Soviet directors on German expressionists in the field of editing. These aspects remain poorly understood. This study uses an integrated approach. Comparative, phenomenological, intertextual methods are used in their combination and complementarity.
The main conclusions of this study are about the discovery of German expressionists in the field of light and shadow, their influence on world cinema, as well as the influence of Soviet directors on German expressionists. Films performed in the tradition of expressionists often have commercial success.

注释,注释: Предметом исследования данной статьи являются творчество А. Хичкока и И. Бергмана, которые хорошо изучены как в России, так и за рубежом. Актуальность данного исследования обусловлена тем, что до сих пор среди исследователей не было сделано попытки исследовать влияние творчества А. Хичкока на И. Бергмана. Целью данного исследования является сравнительный анализ творчества А. Хичкока и И. Бергмана, выявление сходства и различий, в том числе, в вопросах религиозной веры; изучение такого малоизвестного аспекта, как влияние А. Хичкока на творчество И. Бергмана. Автор также уделяет внимание рассмотрению религиозных взглядов А. Хичкока, чему исследователи уделяли мало внимания.


В данном исследовании применяется комплексный подход, включая сравнительный метод для анализа связей между режиссерами, феноменологический метод, а также метод психоанализа в их сочетании и взаимодополнительности.
Новизна данного исследования состоит в выявлении связей между режиссерами, в применении комплексного подхода к анализу их произведений.
Сделан вывод о религиозных взглядах А. Хичкока и И. Бергмана, их сходстве и различии. Религиозные взгляды Бергмана претерпели длительную трансформацию в течение всей его жизни. Религиозные взгляды Хичкока были более консервативными и устойчивыми, что сказывается на ритме его картин.

Abstract: The subject of this article is the work of A. Hitchcock and I. Bergman, which are well studied both in Russia and abroad. The relevance of this study is due to the fact that so far no attempt has been made among researchers to investigate the influence of A. Hitchcock's work on I. Bergman. The purpose of this study is a comparative analysis of the work of A. Hitchcock and I. Bergman, identifying similarities and differences, including in matters of religious faith; studying such a little-known aspect as the influence of A. Hitchcock on the work of I. Bergman. The author also pays attention to the consideration of the religious views of A. Hitchcock, to which the researchers paid little attention.


This study uses an integrated approach, including a comparative method for analyzing the connections between directors, a phenomenological method, as well as a method of psychoanalysis in their combination and complementarity.
The novelty of this research consists in identifying the links between directors, in applying an integrated approach to the analysis of their works.
The conclusion is made about the religious views of A. Hitchcock and I. Bergman, their similarities and differences. Bergman's religious views underwent a long transformation throughout his life. Hitchcock's religious views were more conservative and stable, which affects the rhythm of his paintings.

注释,注释: Предметом исследования является творчество Дзиги Вертова, Жана Виго и Микеланджело Антониони, которое достаточно хорошо изучено как в России, так и за рубежом. Автор уделяет особое внимание такому малоизученному аспекту, как влияние Дзиги Вертова на творчество Ж. Виго и М. Антониони. Анализируя различные источники — литературные и кинематографические, автор подтверждает эту преемственность. Большое внимание также уделяется связи творчества Ж. Виго и М. Антониони с французской и итальянской кинематографической традицией. В данном исследовании применяется сравнительный метод для анализа связей между режиссерами. Также применяется феноменологический метод. Новизна данного исследования состоит в выявлении связи между Дзигой Вертовым, Жаном Виго и Микеланджело Антониони, в применении комплексного подхода к анализу кинематографических произведений. Сделан вывод о том, какие именно наработки Д. Вертова оказались наиболее ценными для западного кинематографа, а также о новаторстве М. Антониони.

Abstract: The subject of the research is Dziga Vertov's, Jean Vigo's and Michelangelo Antonioni's creativity which is rather well studied botj in Russia and abroad. The author pays special attention to such poorly studied aspect as Dziga Vertov's influence on Jean Vigo and Michelangelo Antonioni's creativity. The author confirms their continuity by analysing various sources, both literary and cinematographic. Much attention is also paid how creativity of Jean Vigo and Michelangelo Antonioni relate to French and Italian traditions of cinema. In this research the comparative method is applied to the analysis of communications between directors. Also the phenomenological method is applied. The novelty of this research is caused by the fact that the author describes communication between Dziga Vertov, Jean Vigo and Michelangelo Antonioni applying the integrated approach to the analysis of screen pieces. The conclusion is drawn on what practices of Dziga Vertov were the most valuable to the western cinematograph, and also about Michelangelo Antonioni's innovation.