注释,注释: Предметом исследования предлагаемой статьи являются ранние пленэрные работы немецкой художницы-экспрессиониста Габриэле Мюнтер, впоследствии – участницы художественного объединения "Синий всадник", ученицы и подруги Василия Кандинского. Авторы статьи ставят целью рассмотреть и ввести в научный оборот ряд этюдов Мюнтер, созданных ей в период летних выездов на пленэр в 1902-1903 гг. в альпийские города Кохель и Кальмюнц с мюнхенской художественной школой "Фаланга", возглавляемой Кандинским. В статье также рассматриваются живописные пленэрные работы Кандинского, созданные им в те же годы там же, в Баварии – преимущественно пейзажи и этюды фигур в пейзаже. Авторы исследования видят своей задачей проследить влияние художественной манеры Кандинского и его роли как учителя на формирование Мюнтер-живописца. Методология исследования включает в себя формально-стилистический, сравнительный методы искусствоведческого анализа, а также комплексный историко-биографический подход. Актуальность исследования обусловлена его научной новизной: авторы статьи впервые в русскоязычной искусствоведческой литературе описывают до-экспрессионистские произведения Мюнтер периода совместных пленэров с Кандинским, прослеживают становление её художественного видения и живописной манеры, влияние на её формирование Кандинского. Развитие импрессионистической техники, общей у Мюнтер и Кандинского в начале 1900-х гг., по мнению авторов статьи, сочетается с индивидуальными поисками выразительности формы и цвета. Первым опытам пленэрной масляной живописи в особой "шпатель-технике" под руководством Кандинского сопутствуют успешные поиски Мюнтер в области графики, освоение техники печати цветной гравюры на дереве. Авторы статьи приходят к выводу, что на формирование оригинальной манеры Мюнтер в равной степени оказали влияние как живописное раскрепощение благодаря этюдной практике маслом, так и собственные опыты в рисунке и гравюре.

Abstract: The subject of the study of the proposed article is the early plein-air works of the German expressionist artist Gabriele Munter, later a member of the Blue Horseman art association, a student and friend of Vasily Kandinsky. The authors of the article aim to review and introduce into scientific circulation a number of Munter's sketches created by her during summer trips to the plein air in 1902-1903 to the Alpine towns of Kochel and Kalmunz with the Munich art school "Phalanx", headed by Kandinsky. The article also examines the picturesque plein-air works by Kandinsky, created by him in the same years there, in Bavaria - mainly landscapes and sketches of figures in the landscape. The authors of the study see as their task to trace the influence of Kandinsky's artistic manner and his role as a teacher on the formation of a Munter painter.  The research methodology includes formal stylistic, comparative methods of art criticism analysis, as well as a comprehensive historical and biographical approach. The relevance of the study is due to its scientific novelty: the authors of the article for the first time in Russian-language art history literature describe the pre-expressionist works of Munter during the period of joint plein-airs with Kandinsky, trace the formation of her artistic vision and picturesque manner, the influence of Kandinsky on her formation. The development of the impressionistic technique common to Munter and Kandinsky in the early 1900s, according to the authors of the article, is combined with individual searches for expressiveness of form and color. The first experiments of plein-air oil painting in a special "spatula technique" under the guidance of Kandinsky were accompanied by the successful search for Munter in the field of graphics, mastering the technique of printing color woodcuts. The authors of the article come to the conclusion that the formation of the original manner of Munter was equally influenced by both pictorial emancipation through sketching practice in oil, as well as their own experiences in drawing and engraving.

注释,注释: В статье рассматриваются два этюда раннего периода творчества Мстислава Добужинского, относящиеся ко времени его жизни и учёбы в Германии (Мюнхене): "Улица в Мюнхене" (ок. 1899–1901 гг.) и "Мюнхен. Мастерская школы Антона Ашбе" (ок. 1900 г.). Авторы статьи, опираясь на художественно-критическую литературу, посвящённую творчеству Добужинского, а также переписку и мемуары художника и его современников, рассматривают городской пастельный пейзаж и интерьерный этюд конца 90-х гг. XIX века в контексте тех задач, которые ставил перед собой художник в период обучения за границей в школах Антона Ашбе и Шимона Холлоши, а также в русле концептуальных поисков художника как раннего, так и зрелого периодов творчества. В анализе рассматриваемых произведений авторы статьи используют формально-стилистический, описательный методы, исследование особенностей художественной манеры, характера образно-пластического языка произведений, эмоционально-эстетическую оценку. Авторы статьи обнаруживают безусловное совпадение художественных образов, настроя и фактуры ранних этюдов мюнхенского периода художника со словесными описаниями атмосферы Мюнхена конца 1890-х годов и школы Антона Ашбе и его метода, оставленных художником и его современниками в письмах, воспоминаниях, художественно-критических и исторических заметках. Подводя итоги анализу "Улицы Мюнхена" и этюда "Мюнхен. Мастерская школы А. Ашбе" Мстислава Добужинского, авторы приходят к выводу, что особое, тонкое поэтическое настроение двух рассматриваемых произведений, хмурого осеннего пейзажа и светлого солнечного интерьерного этюда, представляя ранний этап эволюции художественной манеры мастера, содержательно и образно отражают концепцию "тихой поэзии", свойственную зрелой графике и живописи художника, последовательно развиваемую им в дальнейшем творчестве

Abstract: The article examines two studies of the early period of Mstislav Dobuzhinsky's work, relating to the time of his life and studies in Germany (Munich): "A Street in Munich" (circa 1899-1901) and "Workshop of the Anton Ashbe School" (1899). The author of the article, based on the artistic and critical literature devoted to Dobuzhinsky's work, as well as correspondence and memoirs of the artist and his contemporaries, examines the urban pastel landscape and interior sketch of the late 90s. In the context of the tasks that the artist set himself during his studies abroad at the schools of Anton Ashbe and Shimon Holloshi, as well as in line with the conceptual searches of the artist both in the early and mature periods of creativity. In the analysis of the works under consideration, the author of the article uses formal stylistic, descriptive methods, the study of the features of artistic manner, the nature of the figurative and plastic language of the works, emotional and aesthetic assessment. The author of the article discovers an unconditional coincidence of artistic images, mood and texture of the early sketches of the artist's Munich period with verbal descriptions of the atmosphere of Munich in the late 1890s and the school of Anton Ashbe and his method, left by the artist and his contemporaries in letters, memoirs, art-critical and historical notes. Summing up the analysis of the "Streets of Munich" and the "Workshop of the Anton Ashbe School" by Mstislav Dobuzhinsky, the author of the article concludes that the special, subtle poetic mood of the two works under consideration, a gloomy autumn landscape and a bright sunny interior sketch, representing the early stage of the evolution of the artistic manner of the master, thoughtfully and figuratively reflect the concept "quiet poetry", characteristic of the artist's mature graphics and paintings, consistently developed by him in his further work.

注释,注释: Рассматривая женский портрет эпохи рубежа XIX – XX веков, стилистически принадлежащий к «салонной» линии живописных портретов русского модерна, авторы статьи анализируют два портрета художников объединения «Мир искусства» - портрет Елены Олив работы Константина Сомова (1914, ГТГ) и Марины Маковской Александра Головина (1912, ГРМ). Оба портрета относятся к сериям женских портретов, выполненных Константином Сомовым и Александром Головиным в начале 1910-х годов. Общий круг заказчиков (заказчиц) художников, похожие форматы работ, композиционные и стилистические приёмы позволяют сравнить выбранные портреты и найти некоторое концептуальное сходство. Выявляя стилистические, формальные и концептуальные закономерности обеих работ на фоне созданных художниками серий похожих портретов, авторы обнаруживают, что общепринятый критерий «психологизма» образов в оценке этих произведений неприменим. Женский портрет эпохи модерна оказывается репрезентативным, создающим "стильные" образы современниц, отвечающим вкусам заказчиков и настроениям Belle Epoque, но практически не ориентированным на личностную характеристику и психологизм образа в традиционно понимаемом смысле. Исследователи обнаруживают однако в рассматриваемых портретах обобщения и характеристики, иным способом и в другом ракурсе раскрывающие психологию изображенных моделей и объемно конструирующие женский образ рубежной эпохи: феномен "скрытого психологизма", перспективы изучения которого в портрете модерна открывает настоящая работа.

Abstract: In view of female portrait of the turn of the XIX – XX centuries, which stylistically belongs to “salon” painting of the Russian Art Nouveau, the authors analyzes the two works by the artists of “The World of Art” association – the portrait of Elena Olive by Konstantin Somov (1914) and the portrait of Marina Makovskaya by Alexander Golovin (1912). Both portraits are attributed to the series of female portraits created by Konstantin Somov and Alexander Golovin in the early 1910s. The general circle of  the artists’ clients, similar formats of works, compositional and stylistic techniques allow drawing parallels between the selected portraits and finding certain conceptual similarity. The determination of stylistic, formal and conceptual patterns of both works against the background of the series of similar portraits created by the artists indicates that the generally accepted criterion of “psychologism” of the images in assessing these works is inapplicable. The female portrait of the Art Nouveau appease to be representative, creating “stylish” images of the contemporaries, meeting the tastes of the clients and the moods of Belle Epoque, but virtually not oriented towards personal characteristics and psychologism of the image in traditional sense. However, in the considered portraits, the researchers reveal generalizations and characteristics that describe the psychology of the depicted models in a different way, as well as form a three-dimensional female image of the turn of centuries: the phenomenon of “hidden psychologism”, the prospects for studying which are outlined in this work.

注释,注释: Предмет исследования статьи - живописный портрет Натальи Францевны Обер работы Константина Андреевича Сомова, относящийся к раннему периоду творчества художника - середине 1890-х гг. Портрет рассматривается в контексте живописных исканий художника "до-мирискуснического" этапа. Кроме этого, живописная манера и концепция портрета анализируется с учетом влияний на творчество Сомова актуальных тенденций отечественной и европейской портретной живописи рубежа XIX-XX вв.: традиции русского реалистического портрета, европейской и скандинавской линий импрессионизма и салона. Автор статьи использует метод сравнительного искусствоведческого анализа, рассматривая портрет Н. Ф. Обер, написанный К. А. Сомовым в 1896 г., на фоне других портретных работ художника и его современников. Особенно ценным вкладом в исследование сомовской портретной концепции представляется анализ новых тенденций, появляющихся в портрете Н. Ф. Обер: композиционный строй картины, декоративность живописи, специфика пространственного построения и особенности колорита. Все эти черты отмечаются автором статьи как ключевые для формирования иконографии сомовского портрета "зрелого" периода.

Abstract: The subject of this article is the picturesque portrait of Natalia Frantsevna Auber by Konstantin Andreevich Somov that refers to the early period of his works – mid of 1890’s. The portrait is viewed in the context of the scenic pursuits of the painter of the prior to “World of Art” stage. The scenic manner alongside the portrait concept are also analyzed with consideration of the impact upon the works of K. A. Somov of the relevant trends of Russian and European portrait paining of the turn of the XIX-XX centuries: traditions of the Russian realistic portrait, European and Scandinavian lines of impressionism and salon. The author applies the method of comparative art analysis, viewing the portrait of N. F. Auber made by K. A. Somov in contrast with other works of the painter and his contemporaries. A particularly valuable contribution into the research of Somov’s portrait concept is defined by the analysis of the new trends emerging in the portrait of N. F. Auber: compositional structure, decorativeness of painting, specificity of spatial structure, and color specificities. All of the listed features are emphasized by the author of the article as the key for establishment of iconography of Somov’s portrait of the “mature” period.