注释,注释: Предметом исследования является жанр live electronics (живой электроники) - области электроакустической музыки, где электронные звучания исполняются на сцене оператором или компьютером. Иногда они предписаны композитором, иногда импровизируются по заранее заданным правилам, иногда изготовляются оператором предварительно. В жанре live electronics очень важна координация между инструменталистом/ами и оператором. Совпадения или несовпадения между их партиями часто определяют структуру, продолжительность и функциональность произведений. В абсолютном большинстве случаев это обозначается композиторами точно, хотя бы это было принципиальное несовпадение элементов: в этом случае намечена последовательность или одновременность структур. Закономерности развития жанра продемонстрированы на примере анализа отдельных произведений с точки зрения усложнения партии электроники и увеличения её роли в развитии. Новизна исследования заключается в том, что впервые live electronics не рассматривается как особый вид электроакустической музыки с применением традиционных инструментов. На примере функциональности live electronics показано, что она является особым жанром со своими свойствами, являющийся переходным по отношению к мультимедиа.

Abstract: The research subject is the live electronics genre -  the sphere of electroacoustic music in which electronic sounds are performed on stage by an operator or a computer. Sometimes they are planned by a composer, sometimes they are improvised according to the established rules, sometimes the operator prepares them beforehand. In the live electronics genre, coordination between the instrumentalist(s) and the operator is very important. Agreements or disagreements between their parts often determine structure, duration and functionality of musical pieces. In the majority of cases, it is clearly defined by composers even if its is an ultimate disagreement of elements: in such a case, the sequence or simultaneity of structures is planned. The author demonstrates the genre evolution patterns based on the analysis of particular pieces in terms of amplification of the electronic part and extension of its role in process. The scientific novelty of the study consists in the fact that for the first time, live electronics is not considered as a specific type of electroacoustic music using conventional instruments. The author studies the functionality of live electronics to demonstrate that it is a specific genre with its features, which is transitional towards multimedia.
 

注释,注释: Предметом исследования является жанр live electronics (живой электроники) - области электроакустической музыки, где электронные звучания исполняются на сцене оператором или компьютером. Иногда они предписаны композитором, иногда импровизируются по заранее заданным правилам, иногда изготовляются оператором предварительно. В жанре live electronics очень важна координация между инструменталистом/ами и оператором. Совпадения или несовпадения между их партиями часто определяют структуру, продолжительность и функциональность произведений. В абсолютном большинстве случаев это обозначается композиторами точно, хотя бы это было принципиальное несовпадение элементов: в этом случае намечена последовательность или одновременность структур. Закономерности развития жанра продемонстрированы на примере анализа отдельных произведений с точки зрения усложнения партии электроники и увеличения её роли в развитии. Новизна исследования заключается в том, что впервые live electronics не рассматривается как особый вид электроакустической музыки с применением традиционных инструментов. На примере функциональности live electronics показано, что она является особым жанром со своими свойствами, являющийся переходным по отношению к мультимедиа.

Abstract: The research subject is the live electronics genre -  the sphere of electroacoustic music in which electronic sounds are performed on stage by an operator or a computer. Sometimes they are planned by a composer, sometimes they are improvised according to the established rules, sometimes the operator prepares them beforehand. In the live electronics genre, coordination between the instrumentalist(s) and the operator is very important. Agreements or disagreements between their parts often determine structure, duration and functionality of musical pieces. In the majority of cases, it is clearly defined by composers even if its is an ultimate disagreement of elements: in such a case, the sequence or simultaneity of structures is planned. The author demonstrates the genre evolution patterns based on the analysis of particular pieces in terms of amplification of the electronic part and extension of its role in process. The scientific novelty of the study consists in the fact that for the first time, live electronics is not considered as a specific type of electroacoustic music using conventional instruments. The author studies the functionality of live electronics to demonstrate that it is a specific genre with its features, which is transitional towards multimedia.
 

注释,注释: Предметом анализа является вопрос о месте традиционных академических или фольклорных инструментов, а также составленных из них ансамблей, вокалистов и хоров в электроакустической музыке. Обычно её делят на две большие группы: музыка, воспроизводимая с электронного носителя, и музыка, где его звучание сопровождается инструментальным. Автор показывает, что вторая из этих групп является логически неизбежным следствием первой. Первые композиторы электроакустической музыки настаивали на особом характере её восприятия вследствие краткости её структур. Участие традиционных инструментов объединяло эти краткие структуры, и произведение становилось более привычным для человеческого слуха, хотя функциональные закономерности между звуками оставались в принципе прежними. Статья основывается на анализе структур музыкальных произведений от более простого к более сложному использованию инструментов в них. Принципиально новым в статье является сама констатация того факта, что "чистые" электроакустические произведения, воспроизводимые с электронных носителей, и те, в которых использованы инструменты и голоса, составляют единую группу с идентичной функциональностью. Рассмотрены формы, которые может принимать инструментальная партия; показано, что не все произведения, где использована фонограмма, являются электроакустическими.

Abstract: The subject of the research is the place of traditional academic or folklore instruments as well as their assemblies, vocalists and choirs in electro-accoustic music. Electro-accoustic music is traditionally divided into two large groups, music played out from an electronic media, and music where the sound is accompanied with instrumental music. The author demonstrates that the latter group is an inevitable  consequence of the former. The first electro-accoustic composers emphasized that the music was perceived in a special way due to the briefness of its structure. The participation of traditional instruments united these brief structures, and the product became more familiar to the human ear, although the functional patterns between sounds remained in principle the same. The article is based on the analysis of the structures of musical works from simpler to more complex use of instruments in them. Fundamentally new in the article is the statement itself of the fact that "pure" electro-acoustic works reproduced from electronic media, and those in which instruments and voices are used, constitute a single group with identical functionality. The forms that the instrumental part can take are considered; and it is shown that not all works where the phonogram is used are electro-acoustic.

注释,注释: Предметом анализа является вопрос о месте традиционных академических или фольклорных инструментов, а также составленных из них ансамблей, вокалистов и хоров в электроакустической музыке. Обычно её делят на две большие группы: музыка, воспроизводимая с электронного носителя, и музыка, где его звучание сопровождается инструментальным. Автор показывает, что вторая из этих групп является логически неизбежным следствием первой. Первые композиторы электроакустической музыки настаивали на особом характере её восприятия вследствие краткости её структур. Участие традиционных инструментов объединяло эти краткие структуры, и произведение становилось более привычным для человеческого слуха, хотя функциональные закономерности между звуками оставались в принципе прежними. Статья основывается на анализе структур музыкальных произведений от более простого к более сложному использованию инструментов в них. Принципиально новым в статье является сама констатация того факта, что "чистые" электроакустические произведения, воспроизводимые с электронных носителей, и те, в которых использованы инструменты и голоса, составляют единую группу с идентичной функциональностью. Рассмотрены формы, которые может принимать инструментальная партия; показано, что не все произведения, где использована фонограмма, являются электроакустическими.

Abstract: The subject of the research is the place of traditional academic or folklore instruments as well as their assemblies, vocalists and choirs in electro-accoustic music. Electro-accoustic music is traditionally divided into two large groups, music played out from an electronic media, and music where the sound is accompanied with instrumental music. The author demonstrates that the latter group is an inevitable  consequence of the former. The first electro-accoustic composers emphasized that the music was perceived in a special way due to the briefness of its structure. The participation of traditional instruments united these brief structures, and the product became more familiar to the human ear, although the functional patterns between sounds remained in principle the same. The article is based on the analysis of the structures of musical works from simpler to more complex use of instruments in them. Fundamentally new in the article is the statement itself of the fact that "pure" electro-acoustic works reproduced from electronic media, and those in which instruments and voices are used, constitute a single group with identical functionality. The forms that the instrumental part can take are considered; and it is shown that not all works where the phonogram is used are electro-acoustic.

注释,注释: Предметом рассмотрения являются различия в тембровых характеристиках сонористики и электроакустической музыки – музыкальных складах, которые часто объединяют на основе присущей обоим красочности. В статье показано, что она не только различна по своей природе (в первом случае музыка исполняется традиционными музыкальными инструментами и/или голосами, во втором синтезируется либо состоит из преображённых натуральных звуков, записанных на электронный носитель), но и предполагает разный тип слушания. В сонористике, где музыка состоит из достаточно крупных структур, слушатель, при усвоении им музыкального языка произведения, может выстроить драматургию формы, как это делается по отношению к классической музыке. В электроакустической музыке, где музыкальные события сменяют друг друга очень быстро и обычно темброво отличаются друг от друга, слушатель должен воспринимать произведение как «поток сознания», не деля его на структуры, как он не делит звуки природы или окружающей среды. Разница между тембрами и вытекающими из этого типами восприятия музыки показана прежде всего с помощью анализа формального строения произведений различных складов Новизна подхода заключается в трактовке сонора как развивающегося темброво явления. Показывается, что тембр – это не единое статичное целое, что он приобретает свой конкретный вид в зависимости от вида произведения. Косвенно демонстрируется также общность восприятия музыки и звуков живой природы.

Abstract: The subject of the study is difference in the timbre characteristics of sonoristics and electro-acoustic music – musical texture often combined on the basis of colourfulness inherent in both of them. The article shows that it differs not only in nature (in the first case, the music is performed with traditional musical instruments and/or voices, in the second case it is synthesized or consists of transformed natural notes recorded on an electronic medium), but  it also suggests a different type of listening. In sonoristics the music consists of quite large structures, and the listener when mastering the musical language of the work can build the drama of the form, as it is done in relation to classical music. In electro-acoustic music musical events follow each other very quickly and usually differ from each other in timbre, and the listener perceives the work as a "stream of consciousness" without dividing it into structures, as he does not divide the sounds of nature or the environment. The article shows the difference between timbres and the ensuing types of music perception primarily through the analysis of the formal structure of works of various textures. The novelty of the approach lies in interpretation of the timbre of sonoblock as a developing phenomenon. The author shows that timbre is not a single static integral unit, it acquires its specific form depending on the type of music work. The author also indirectly demonstrates the common perception of music and the sounds of wildlife.

注释,注释: Предметом рассмотрения являются различия в тембровых характеристиках сонористики и электроакустической музыки – музыкальных складах, которые часто объединяют на основе присущей обоим красочности. В статье показано, что она не только различна по своей природе (в первом случае музыка исполняется традиционными музыкальными инструментами и/или голосами, во втором синтезируется либо состоит из преображённых натуральных звуков, записанных на электронный носитель), но и предполагает разный тип слушания. В сонористике, где музыка состоит из достаточно крупных структур, слушатель, при усвоении им музыкального языка произведения, может выстроить драматургию формы, как это делается по отношению к классической музыке. В электроакустической музыке, где музыкальные события сменяют друг друга очень быстро и обычно темброво отличаются друг от друга, слушатель должен воспринимать произведение как «поток сознания», не деля его на структуры, как он не делит звуки природы или окружающей среды. Разница между тембрами и вытекающими из этого типами восприятия музыки показана прежде всего с помощью анализа формального строения произведений различных складов Новизна подхода заключается в трактовке сонора как развивающегося темброво явления. Показывается, что тембр – это не единое статичное целое, что он приобретает свой конкретный вид в зависимости от вида произведения. Косвенно демонстрируется также общность восприятия музыки и звуков живой природы.

Abstract: The subject of the study is difference in the timbre characteristics of sonoristics and electro-acoustic music – musical texture often combined on the basis of colourfulness inherent in both of them. The article shows that it differs not only in nature (in the first case, the music is performed with traditional musical instruments and/or voices, in the second case it is synthesized or consists of transformed natural notes recorded on an electronic medium), but  it also suggests a different type of listening. In sonoristics the music consists of quite large structures, and the listener when mastering the musical language of the work can build the drama of the form, as it is done in relation to classical music. In electro-acoustic music musical events follow each other very quickly and usually differ from each other in timbre, and the listener perceives the work as a "stream of consciousness" without dividing it into structures, as he does not divide the sounds of nature or the environment. The article shows the difference between timbres and the ensuing types of music perception primarily through the analysis of the formal structure of works of various textures. The novelty of the approach lies in interpretation of the timbre of sonoblock as a developing phenomenon. The author shows that timbre is not a single static integral unit, it acquires its specific form depending on the type of music work. The author also indirectly demonstrates the common perception of music and the sounds of wildlife.

注释,注释: Предметом исследования данной статьи является концепция тембра в музыковедении и уточнение понятия, его обозначающего. Нынешнее определение, согласно которому тембр – свойство звука, при котором тоны одинаковой высоты и громкости звучат по-разному, не выдерживает никакой критики. Во-первых, не все звуки обладают определённой высотой. Во-вторых, даже если они имеют определённую высоту, то в реальности эта высота является множеством частот. В-третьих, эта формулировка никак не учитывает случаи, когда инструменты не имеют общего звука. И, наконец, в неё не укладываются шумы, которые различаются по тембру, но определённой высоты не имеют. К тому же она молчаливо предполагает, что по тембру различаются только отдельные инструменты. Между тем в этом отношении различаются и группы инструментов, которые редко играют один и тот же звук и обычно не сравнимы по громкости. Автор анализирует спектры разных инструментов, описывает их эволюцию, сравнивает звуки традиционных инструментов и голосов со звучаниями, синтезированными электронным способом. На этом основании автор предлагает считать тембром одновременно звучащее множество звуков, выражающееся через постоянство их обертоновых рядов, сохраняющих свою громкость по отношению друг к другу. Тембр одного инструмента он предлагает считать частным случаем этого множества, когда оно содержит только один член. Автор также описывает виды взаимного перехода тембров.

Abstract: The subject of the article is the conception of timbre used in musicology and the clarification of the concept denoting it. The current definition according to which timbre is a quality of sound due towhich the tones of the same pitch level and loudness sound differently does not withstand the slightest criticism. Firstly, not all sounds have a certain pitch level. Secondly, even if they have a certain pitch level, in reality this pitch is a collectionof frequencies. Thirdly, this formulation does not take into account the instances when instruments do not have a common sound. And, finally, it does not refer to the noises that are distinguished by timbre but do not have a certain pitch level. Moreover, it tacitly implies that only several instruments can be distinguished by timbre. However, in this respect, there are groups of instruments that rarely have one and the same sound and are not usually comparable in volume. The author analyses the spectra of various instruments, describes their evolution, compares the sounds of traditional instruments and voices with the sounds electronically synthesized. On basis of this research, the author suggests to consider timbre as a collection of simultaneous sounds expressed through the constancy of their overtone series maintaining their loudness in relation to each other. The author suggests to consider the timbre of one instrumenta particular instance of this set of sounds when it consists of only one member. The author also describes the types of mutual transition of timbres.

注释,注释: Предметом исследования является функциональная общность между тоновыми и тембровыми складами, демонстрируемая на примере монодии и электроакустической музыки. Монодия – склад, где элементом является звук, чаще всего определённой высоты. В музыке, созданной на электронный носитель, звуки определённой высоты обычно вообще отсутствуют, а тоны и шумы имеют одинаковое значение. Тем не менее основной признак устоя в обоих складах – большая протяжённость устойчивого звука. Характерно и наличие всех обертонов в пределах, ограниченных возможностями голосов или инструментов, с помощью которых исполняется произведения. Показывается и разница характера устойчивости и неустойчивости в обоих складах Методом исследования является математический, структурный и спектральный анализ средневековой одноголосной музыки, а также произведений Л. Берио, К. Штокхаузена и П. Булеза. Новизна исследования заключается в том, что оно выявило множество общих черт в функциональных связях и восприятии монодии и электроакустической музыки. Автор отказывается от тематического рассмотрения структуры монодии, заимствованного из анализа гомофонно-гармонических произведений, и показывает отличия электроакустической музыки от сонористики, с которой её часто объединяют вследствие их красочности.

Abstract: The subject of the research is the functional similarity between tone and tembre that is demonstrated based on the example of monody and electro-acoustic music. Monody is a style of composition where sound, usually of a certain tone, is the main element while music composed for an electronic media does not have sounds of particular tone at all and tones and noise play the same role. Nevertheless, the main feature of both styles is a long duration of a stable sound. Another similar feature is overtones confined to voice or instrument used in a composition. The author of the article also underlines different stability and non-stability of sound in both styles. The research methods included mathematical, structural and spectral analysis of Medieval one-voice music as well as compositions by L. Berio, K. Stockhausen and P. Boulez. The novelty of the research is caused by the fact that the author defines numerous similarities in functional relations and perception of monody and electro-acoustic music. The author refuses from the thematic analysis of the monody structure as in analysis of homophonic harmonic compositions and differentiates electro-acoustic music from sonorism that electro-acoustic music is often associated with due to its colorfulness. 

注释,注释: Предметом исследования является функциональная общность между тоновыми и тембровыми складами, демонстрируемая на примере монодии и электроакустической музыки. Монодия – склад, где элементом является звук, чаще всего определённой высоты. В музыке, созданной на электронный носитель, звуки определённой высоты обычно вообще отсутствуют, а тоны и шумы имеют одинаковое значение. Тем не менее основной признак устоя в обоих складах – большая протяжённость устойчивого звука. Характерно и наличие всех обертонов в пределах, ограниченных возможностями голосов или инструментов, с помощью которых исполняется произведения. Показывается и разница характера устойчивости и неустойчивости в обоих складах Методом исследования является математический, структурный и спектральный анализ средневековой одноголосной музыки, а также произведений Л. Берио, К. Штокхаузена и П. Булеза. Новизна исследования заключается в том, что оно выявило множество общих черт в функциональных связях и восприятии монодии и электроакустической музыки. Автор отказывается от тематического рассмотрения структуры монодии, заимствованного из анализа гомофонно-гармонических произведений, и показывает отличия электроакустической музыки от сонористики, с которой её часто объединяют вследствие их красочности.

Abstract: The subject of the research is the functional similarity between tone and tembre that is demonstrated based on the example of monody and electro-acoustic music. Monody is a style of composition where sound, usually of a certain tone, is the main element while music composed for an electronic media does not have sounds of particular tone at all and tones and noise play the same role. Nevertheless, the main feature of both styles is a long duration of a stable sound. Another similar feature is overtones confined to voice or instrument used in a composition. The author of the article also underlines different stability and non-stability of sound in both styles. The research methods included mathematical, structural and spectral analysis of Medieval one-voice music as well as compositions by L. Berio, K. Stockhausen and P. Boulez. The novelty of the research is caused by the fact that the author defines numerous similarities in functional relations and perception of monody and electro-acoustic music. The author refuses from the thematic analysis of the monody structure as in analysis of homophonic harmonic compositions and differentiates electro-acoustic music from sonorism that electro-acoustic music is often associated with due to its colorfulness. 

注释,注释: Функциональностью в музыке называют «ожидание появления определенных элементов музыкального произведения с той или иной степенью вероятности» (А. П. Милка). Обычно её выражают как систему тяготений неустойчивых элементов лада в устойчивые. Данная статья посвящена математическому анализу этого аспекта в жанре мультимедиа, где, кpoме звуков и тишины, имеющихся в каждом музыкальном произведении, присутствует также визуальный ряд (движения, рисунки, фильмы и пр.). Его элементы могут повторяться, как и звуки, а при их главенствующей роли в произведении быть и более устойчивыми, чем они. В статье определены общие принципы функциональности в мультимедиа, а также показаны формы их проявления в перформансе и хэппенинге. Основой анализа является теория вероятностей. С её помощью можно найти закономерности отношений устойчивости и неустойчивости в произведениях, где присутствует жест. Главным выводом произведения является доказательство того, что в мультимедиа, где длина сочинения часто не обозначена композитором, наиболее устойчивыми являются элементы, вероятность повторения которых выше. Статья впервые описывает в точных терминах закономерности функциональности в жанре мультимедиа, где музыковедческий анализ до сих пор обычно подменяется образными описаниями.

Abstract: Functionality in music is understood as “expectation of emergence of certain elements of a piece of music with a certain degree of probability” (A.P. Milka). It is usually expressed as a system of inclination of unstable elements of a tonality to stable ones. The author of this article carries out mathematical analysis of this aspect within the multimedia genre, which combines sounds and silence, present in every piece of music, with visual imagery (motions, pictures, films, etc.). Its elements can be repeated, like sounds do, and, if they are central elements of the composition, they can be more stable than sounds. The author defines the common principles of functionality in multimedia and demonstrates the forms of their expression in a performance and in a happening. The analysis is based on the law of probability. It helps find regularities of stability-instability relationship in compositions containing a gesture. The author proves that in multimedia, where the length of a composition is often not defined by the composer, those elements are more stable, which are repeated with higher probability. The author is the first to give exact definitions to the regularities of functionality in multimedia, in which musicological analysis has usually been substituted with descriptions. 

注释,注释: Функциональностью в музыке называют «ожидание появления определенных элементов музыкального произведения с той или иной степенью вероятности» (А. П. Милка). Обычно её выражают как систему тяготений неустойчивых элементов лада в устойчивые. Данная статья посвящена математическому анализу этого аспекта в жанре мультимедиа, где, кpoме звуков и тишины, имеющихся в каждом музыкальном произведении, присутствует также визуальный ряд (движения, рисунки, фильмы и пр.). Его элементы могут повторяться, как и звуки, а при их главенствующей роли в произведении быть и более устойчивыми, чем они. В статье определены общие принципы функциональности в мультимедиа, а также показаны формы их проявления в перформансе и хэппенинге. Основой анализа является теория вероятностей. С её помощью можно найти закономерности отношений устойчивости и неустойчивости в произведениях, где присутствует жест. Главным выводом произведения является доказательство того, что в мультимедиа, где длина сочинения часто не обозначена композитором, наиболее устойчивыми являются элементы, вероятность повторения которых выше. Статья впервые описывает в точных терминах закономерности функциональности в жанре мультимедиа, где музыковедческий анализ до сих пор обычно подменяется образными описаниями.

Abstract: Functionality in music is understood as “expectation of emergence of certain elements of a piece of music with a certain degree of probability” (A.P. Milka). It is usually expressed as a system of inclination of unstable elements of a tonality to stable ones. The author of this article carries out mathematical analysis of this aspect within the multimedia genre, which combines sounds and silence, present in every piece of music, with visual imagery (motions, pictures, films, etc.). Its elements can be repeated, like sounds do, and, if they are central elements of the composition, they can be more stable than sounds. The author defines the common principles of functionality in multimedia and demonstrates the forms of their expression in a performance and in a happening. The analysis is based on the law of probability. It helps find regularities of stability-instability relationship in compositions containing a gesture. The author proves that in multimedia, where the length of a composition is often not defined by the composer, those elements are more stable, which are repeated with higher probability. The author is the first to give exact definitions to the regularities of functionality in multimedia, in which musicological analysis has usually been substituted with descriptions.